Con una sonrisa que desprende placidez, Meryl Streep nos mira amablemente desde la portada del ‘Vogue’ de EEUU, el [...]]]> Está considerada una de las mejores actrices de la historia del cine. Destaca por encima del resto por su sencillez y su versatilidad, sin olvidar ese don para dar a cada personaje el tono que mejor le encaja. Meryl Streep, de 62 años, es la intérprete con más candidaturas al Oscar: nada menos que 16. Tiene dos estatuillas y las quinielas apuestan por ella y por su retrato de Margaret Thatcher. ¿Tendrá que preparar discurso para la próxima entrega de los Oscars?…

Con una sonrisa que desprende placidez, Meryl Streep nos mira amablemente desde la portada del ‘Vogue’ de EEUU, el de Anna Wintour (personaje al que Streep homenajeó en “El Diablo Viste de Prada”). Los rostros de las bellas jóvenes que acapararon las portadas de los meses anteriores (y, por supuesto, de los posteriores) son mucho más jóvenes y guapas pero, sin duda, no tienen su presencia, su atractivo, ni poseen su especial magnetismo. Con el cabello hacia atrás por el efecto de la brisa y sentada junto al mar, el titular la entrona como «la actriz más grande de América».Y ella se lleva su parte. Para aceptar esas fotos, pidió posar con algunas de las políticas de Washington para reclamar un museo centrado en contar la Historia también en femenino. Porque, ¿alguien recuerda a Deborah Sampson? Fue una de las heroínas de la Guerra Civil Americana. «Yo tengo 60 años y sé esta historia, pero debía haberla aprendido en cuarto grado», dice la intérprete en el mismo ‘Vogue’. Las fotografías de portada e interior han sido realizadas por Annie Leibobitz, la mejor fotógrafa del mundo para este tipo de proyectos.

Así es Meryl Streep (Summit, New Jersey, 1949), dispuesta a llegar hasta el fondo en sus batallas personales. En una flaqueó. Cumplidos los 40, empezó a dudar de si podría continuar con su carrera en un Hollywood que sólo le ofrecía papeles mediocres o de bruja. Su marido, el escultor Don Gummer (padre de sus cuatro hijos y con el que se casó en 1978), le dio ánimo para continuar. Y, del mismo modo que leyendas como Katherine Hepburn o Bette Davies la citaron como una de sus favoritas, las más jóvenes, tipo Anne Hathaway o Emily Blunt, la nombran siempre como su modelo. ¿Quién de ellas no quiere ser como Meryl Streep? Algo similar deben de pensar los Académicos de los Oscar, porque raro es el año que su nombre no aparece entre los candidatos. En esta ocasión, se espera que su interpretación de la ex primera ministra británica Margaret Thatcher (con la que se mimetiza) le sirva para pronunciar ese discurso que se le resiste desde 1983, cuando agradeció el premio por ‘La decisión de Sophie’. Aquel fue su segundo Oscar.

El primero lo alzó tres años antes por una divorciada en lucha contra su ex, Dustin Hoffman, en ‘Kramer contra Kramer’ (1979). Desde entonces, 16 nominaciones, cuatro más que Katherine Hepburn y seis más que Bette Davies. Reconocimientos logrados gracias a Linda (‘El Cazador’ 1978), Sarah (‘La mujer del teniente francés’ 1981), Karen Blixen (‘Memorias de África’ 1985), Francesca (‘Los puentes de Madison’ 1995) o la terrible Miranda de ‘El diablo se viste de Prada’ (2006).
Mujeres fuertes para esta gran dama que siempre tuvo claro que quería ser actriz, aunque, como buena perfeccionista, se tomó su preparación con calma. Tras el instituto (donde, como anécdota, fue animadora y la reina del baile), estudió Interpretación en la universidad de Yale, donde coincidió con Sigourney Weaver. 
Debutó en el cine a los 28 años con Jane Fonda y Vanessa Redgrave en ‘Julia’ (1977) y unos meses después triunfaba en televisión con la serie ‘Holocausto’ (1978). Con ‘El Cazador’, su segunda película, y junto a De Niro, ya tuvo su primera candidatura al Oscar. Su carrera fue meteórica durante su primera década, aunquese ralentizó cruzados esos temidos 40 en los que se le planteó abandonar.

Hasta que, con la visita de un fotógrafo de ‘National Geographic’ (Clint Eastwood) y su célebre adulterio de ‘Los puentes de Madison’, la estrella no volvió a escaparse. Parece que Margaret Thatcher, muy lejana a su ideario de izquierdas, también le traerá alegrías. Se coloca sus sombreros, sus perlas, sus cardados y, sobre todo, la cadencia de su voz. Porque, una de las virtudes de «la actriz más grande de América», es darle a cada personaje el acento y el tono que mejor le encaje. Virtudes de unos pocos.

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Candidaturas al Oscar de Meryl Streep: ‘El cazador’ (1978), ‘Kramer contra Kramer’ (1979), ‘La mujer del teniente francés’ (1981), ‘La decisión de Sophie’ (1982), ‘Silkwood’ (1983), ‘Memorias de África’ (1985), ‘Tallo de Hierro’ (1987), ‘Un grito en la oscuridad’ (1988), ‘Postales desde el filo’ (1990), ‘Los puentes de Madison’ (1995), ‘Cosas que importan’ (1998), ‘Música del corazón’ (1999), ‘El ladrón de orquídeas’ (2002), ‘El diablo se viste de Prada’ (2006), ‘La duda’ (2008), ‘Julie y Julia’ (2009). Lo ganó con ‘Kramer contra Kramer’ y ‘La decisión de Sophie’.

LA MUJER DE HIERRO

A pesar de que la directora Phyllida Lloyd había planificado dos semanas de ensayos en Londres para Meryl Streep, antes de que empezara el rodaje de ‘La mujer de hierro’ – que representa la vida de la que fuera Primer Ministro de Reino Unido- Streep pidió una semana a solas donde pudiera recabar toda la información posible sobre el personaje.

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“Pensé que estaría preparada para esto, algunos papeles te levantas, vas a trabajar y punto (ríe). Sin embargo, con este me di cuenta de que era un reto diferente. Sabía que tendría que leer mucho, a lo que dediqué mucho tiempo. Pero a la hora de prepararme y meterme en el papel pasaron diferentes cosas en mi vida que me lo impedían. Así que como Phyllida nos había preparado dos semanas de ensayos en Londres, le propuse que los ensayos durasen una semana para poder pasar la otra en mi casa soñando con Margaret Thatcher. Phyllida accedió, lo cual fue increíble. Era como estar en la cárcel, encerrada recabando toda la información posible, algo agobiante”, declaró para flicksandbits.com. Asimismo, la actriz escuchó los mejores discursos de Thatcher para poder representar debidamente el papel.
“Recuperé discursos que daba en la Cámara de los Comunes que no aparecen en la película y los recitaba a la vez que ella. Yo tengo mucha escuela dramática. Antes me costaba mucho llevar la respiración, compaginarla con lo que piensas. En la escuela nos enseñaron a armonizar la respiración con los pensamientos, de tal forma que respiremos hasta el final de la frase. Escucharla me enseñó lo fuerte que era, así como la de veces que tenía que levantarse, sentarse y estar siempre alerta”, afirmó.

No se la pierdan, pues es una maravilla, pero mas maravillo es observar como Meryl Streep sigue llenando la pantalla con solo subir una ceja. Sin olvidar el magnífico papel que realiza Jim Broadbent metiéndose en la piel del marido de Tatcher. Hoy en día, Meryl Streep sigue demostrando que puede con todo, nada es imposible…es impresionante.

En 1996 Ryuichi Sakamoto lanzó un disco con el nombre “1996” con arreglos para piano, cello y violín. El disco incluía repertorio nuevo así como nuevos arreglos de su repertorio. La grabación la realizó con su eterno colaborador Jacques Morelenbaum al cello y Everton Nelson al violín. Tras [...]]]> El próximo 18 de noviembre nos visitará uno de los compositores mas impactantes y respetados de los últimos cuarenta años. Disfrutar de la gira mundial de Sakamoto en España será todo un espectáculo, intimista y sencilla en esta ocasión, pero enorme y por partida doble (gira y libro) en su planteamiento, me explico:

En 1996 Ryuichi Sakamoto lanzó un disco con el nombre “1996” con arreglos para piano, cello y violín. El disco incluía repertorio nuevo así como nuevos arreglos de su repertorio. La grabación la realizó con su eterno colaborador Jacques Morelenbaum al cello y Everton Nelson al violín. Tras el lanzamiento del disco, el trío realizó una extensa gira fascinando a las audiencias por todo el mundo. Su paso por el teatro Tívoli hace ya unos diez años fue recordado con mucho cariño, así como el lanzamiento de sus nuevos discos y bandas sonoras.

Ahora en 2011, Ryuichi Sakamoto ha recuperado el formato trío para realizar una gira por Europa en noviembre con un repertorio que incluirá nuevas composiciones,así como sus clásicos de toda la vida y sus grandes bandas sonoras de películas como El Último Emperador, Feliz Navidad Mr. Lawrence o El Cielo Protector, acompañado de nuevo por Jacques Morelenbaum al cello y un nuevo violinista. Como suele ser habitual en los conciertos de Sakamoto, habrá unacuidada puesta en escena basada en un elaborado diseño de iluminación. La gira coincidirá además con la publicación en España de del libro Ongaku wa jiyuuni suru (La música os hará libres), la primera autobiografía de Ryuichi Sakamoto. Sin duda tendremos una oportunidad única de poder disfrutar de uno de los músicos más extraordinarios de nuestro tiempo.

“La música os hará libres” (apuntes de una vida), es la autobiografía de Ryuchi Sakamoto, publicada por Ediciones Altaïr. En esta espectacular obra sobre motivación, lucha, amor por el trabajo y pasión por el cine, la música y el arte en general, el músico va a la esencia de su vida y la relata sin adornos. Rememora seis décadas de existencia con un estilo directo que destila delicadeza y sensibilidad, y la franqueza de quien quiere comprenderse a sí mismo. Ryuichi Sakamoto toma la música como hilo. Desde su primer contacto casi casual con un piano, en el parvulario, va desplegando un amplísimo abanico de influencias, que luego aflorarán en su heterogénea obra, en una carrera tan rica como diversa. Con naturalidad, se suceden sus estudios universitarios, sus inicios como músico, sus primeros pasos en su carrera en solitario, en paralelo con su incorporación en la Yellow MagicOrchestra, el grupo que lo llevaría a sus primeras giras mundiales. También relata sus primeros pasos en el mundo del cine, en el que se inició como actor y luego como compositor con dos directores de la talla de Nagisa Oshima y Bernardo Bertolucci, en sus películas Feliz Navidad Mr. Lawrence y El último emperador. No deja de lado su itinerario vital, que le ha llevado a vivir en Nueva York y a presenciar en directo el 11-S. Tampoco, su activismo social. Todo aparece con naturalidad, después de interrogarse sobre cómo se encontró allí, a veces casi sin quererlo. El libro parte de un extenso diálogo con el editor de la revista japonesa Engine, que se publicó en sucesivas entregas a lo largo de dos años.

Ryuichi Sakamoto (Tokio, 1952) ha explorado todo el universo musical, desde las melodías populares de Okinawa a los futuristas italianos, su adorado Debussy, el minimalismo y la bossa nova. La primera formación en la que participó, la mítica Yellow Magic Orchestra, fue pionera en la música electrónica. Ha compuesto piezas para piano, un concierto para orquesta, una ópera, y participó en la apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona. También ha colaborado con músicos como Tom Jobim, David Byrne, Iggy Pop o Youssou N’Dour. Además de participar como actor, compuso la música de las películas Feliz Navidad Mr. Lawrence de Nagisa Oshima y El último emperador de Bernardo Bertolucci. También ha colaborado con los directores Pedro Almodóvar, Oliver Stone, Brian De Palma o Alejandro González Iñárritu. Su larga carrera le ha reportado un Oscar, dos Globos de Oro, un Grammy, un premio de la MTV y muchos más reconocimientos internacionales.

Antes de opinar personalmente, el periodista y escritor Víctor Riverola ha publicado una interesante crítica donde analiza el filme y destapa algun que otro secretillo, pero sin [...]]]> Ya se ha podido ver en Barcelona a nivel de prensa, la esperadísima adaptación de las aventuras de Tintín que se estrena el próximo viernes. La película es una creación mano a mano entre dos grandes genios como son Steven Spielberg y Peter Jackson, fans del personaje creado por Hergé y expertos en la creación de grandes películas, algunas mas comerciales que otras, pero siempre con una pátina de calidad y buen gusto intachables.

Antes de opinar personalmente, el periodista y escritor Víctor Riverola ha publicado una interesante crítica donde analiza el filme y destapa algun que otro secretillo, pero sin llegar a ser considerado spoiler.

Ya queda menos…

-”Hace justo 50 años (fue en 1961), Jean Jacques Vierne llevó al cine la primera adaptación del personaje de Tintín. La fallida “El misterio del Toisón de Oro” no llegó a cuajar, pero en 1964, el director francés Philippe Condroyer, se puso al frente, en vano, de un segundo homenaje a Tintín, rodando una vez más, otra fallida adaptación con actores reales de la obra de Hergé, creando una película que en la actualidad se visióna como una rareza kitch, criticada por los fans y muy mal recibida por el público en general. “El misterio de las naranjas azules” no logró dar una continuidad a la serie y tanto Jean-Pierre Talbot como Tintín y J. Bouise como el capitán Haddock se dedicaron a otros menesteres dentro del cine, dejando aparcado al simpático reportero belga en el baul de los recuerdos. Cincuenta años más tarde, el rey midas de Hollywood, gran seguidor de Tintín y un gran amante de la cultura literaria europea, ha llevado por fin y tras muchos años de intentarlo, su particular visión de la excelente obra del dibujante y escritor belga, Jacques Remí, alias Hergé, que por cierto, incluso hace un simpático cameo al inicio del filme.

Para empezar diré que un servidor aprendió a leer con Tintín, los Pitufos (de otro belga, Peyo) y con el Tio Gilito (por algo soy catalán). Me fascina Tintín y su universo, tengo muchos libros sobre el personaje y su obra y siempre que voy a Bruselas, visito el Museo del Cómic y el museo de Hergé. Partiendo de esta base y como buen “tintinólogo” que, modestia aparte me considero, el listón al que he sometido al director de “Tiburón” es no alto, sino altísimo. Que también me considere un gran fan de la obra de Steven Spielberg no significa que se lo perdone todo y en esta ocasión acudía al cine con muchas ganas, pero también con muchos miedos. Me explico: no me gustaba la banda sonora de John Williams antes de ver la película, y ahora todavía me gusta menos, y no me gustaba que se fusionara en un mismo guión “El Cangrejo de las Pinzas de Oro”, “El Secreto del Unicornio” y “El Tesoro de Rackham el Rojo”. Miren ustedes por donde, que esta última idea, una vez vista la película, me parece correcta, pues a bote pronto, no puedes empezar a rodar películas de Tintín empezando por América y el Congo sin saber como funcionarán y menos cuando tienes libros mucho más interesantes.

Una vez vista la película, mi impresión general es positiva, pues estamos delante de una grandísima película de aventuras, una fascinante muestra de ritmo, plasticidad, buen gusto cinematográfico, fluidez de montaje y carisma de personajes, pero hay algo en esta adaptación de Tintín que no me cuadra, y es la gran aparatosidad de la película, la falta de una banda sonora a la altura del filme y la necesidad de crear situaciones excesivamente ridículas, con Haddock convertido en el rey de la función.

El buscar siempre “el mas difícil todavía” no es un pecado, pero no hace falta abusar, ya sabemos que Spielberg y Jackson saben hacer cine. La reiteración en ocasiones llega a cansar. Al no estar hablando de la clásica película de dibujos animados, considero muy útil la aportación en la producción y como director de la segunda unidad de Peter Jackson, director de las tres obras maestras que configuran su visión del Señor de los Anillos. Su empresa de efectos Weta ha alcanzado la perfección de la ILM de George Lucas, y eso ya de por si es positivo, pues el listón sigue subiendo y cada vez se llega más lejos. Llegados a este punto y ya para terminar, muchos se formularán la pregunta ¿Por que el Tintín de Spielberg no es la película del año?, pues porque aunque está muy bien rodada y tiene detalles de gran cine, es excesivamente aparatosa y se pierde en ocasiones ante tantas ganas de sorprender. Si a ello le añadimos que se echa de menos al John Williams de hace unos años (ya no me convenció a nivel de orquestaciones en el último Indiana Jones), obtendremos como resultado una película que se queda a las puertas de ser la maravilla que pudiera ser. El tema de jazz que abre los créditos iniciales no es ni de lejos, apto para un filme de aventuras y aunque casi no vuelve a sonar en toda la película, bebe en exceso de las aguas de “Atrápame si puedes” y “La Terminal”, películas que, bajo mi punto de vista, no tienen nada que ver con Tintín.

Creo que es encomiable ver como Spielberg, con más de 60 años, sigue fresco como una rosa a la hora de rodar cine de aventuras, pero ¡ojo!, que esta no es una película de acción real y por mucha tecnología que tengas al capturar los movimientos de actores reales, no es lo mismo que rodar directamente con actores y actrices. Lo que hacía único a Tintín era la credibilidad de sus aventuras y la vulnerabilidad y la magia de todos sus personajes. La misma magia tenía Indiana Jones, y en esto debo decir que se agradece que Spielberg dirija esta película, pues en ella encontramos mil y un homenajes a sus propias películas y a varios clásicos del cine de aventuras. Ver el tupé de Tintín emulando a la aleta de un tiburón o el símil Haddock-Sean Connery y Tintín-Harrison Ford en moto y en más de una escena, tiene su gracia y es que el Tintín de Spielberg se parece más al hijo de Indiana Jones (dejando a un lado a Mutt) que al Tintín de Hergé, aunque este último no se enfadará pues la película funciona sola, con una garra y un gancho impresionantes. Me quedo con el realismo de las imágenes, el brillo y el movimiento del cabello, la gracia de Milú, la expresión de Shakarine (excelente Daniel Craig) y con el estilo y la maestría de Spielberg al rodar escenas panorámicas, llenas de detalles y texturas. Los exteriores son una maravilla y la cámara se mueve con elegancia y buen gusto, reflejando imágenes en cristales, gotas y hasta en cuchillos.

Si al capitán Haddock lo hubieran tratado un pelín mejor, y Tintin avanzara al ritmo en un tema musical a su altura, sin duda estaríamos hablando de una obra maestra.

No se porqué, pero creo que “War Horse” será una película mucho más redonda, en todos los aspectos”.

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Hollywood siempre ha tenido predilección por los musicales pero ninguno causó tanta sensación como “West Side Story”, una adaptación de un obra teatral que logró en el cine el éxito que le faltó en Broadway y que celebra mañana su medio siglo de vida. La película tuvo su preestreno de la mano de United Artist en Nueva York el 18 de octubre de 1961 y encandiló a crítica y público en lo que la prensa consideró una versión fiel de la producción escénica que debutó en 1957, la misma que, curiosamente, fue recibida [...]]]> La película de los 10 Oscars cumple 50 años

Hollywood siempre ha tenido predilección por los musicales pero ninguno causó tanta sensación como “West Side Story”, una adaptación de un obra teatral que logró en el cine el éxito que le faltó en Broadway y que celebra mañana su medio siglo de vida. La película tuvo su preestreno de la mano de United Artist en Nueva York el 18 de octubre de 1961 y encandiló a crítica y público en lo que la prensa consideró una versión fiel de la producción escénica que debutó en 1957, la misma que, curiosamente, fue recibida con tibieza por expertos y aficionados. Su paso por la gran pantalla elevó a “West Side Story” a la categoría de clásico, le deparó una decena de premios Óscar (más que ningún musical hasta la fecha) y popularizó las canciones del letrista Stephen Sondheim y el compositor Leonard Bernstein, tales como “América”, “María” o “I Feel Pretty”, en todo el mundo.

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El filme fue protagonizado por Natalie Wood, Richard Beymer, Russ Tamblyn, Rita Moreno, George Chakiris y David Winters y codirigido por Robert Wise, que cuatro años más tarde haría “The Sound of Music” (Sonrisas y lágrimas) junto con Jerome Robbins, el coreógrafo responsable de la obra teatral. A la vista del buen resultado que dio la película cuesta creer que los más desencantados con la cinta fueran sus creadores. Robbins dejó solo a Wise al frente del rodaje a las pocas semanas y el dramaturgo Arthur Laurents, que se encargó de escribir el libreto para el musical de Broadway, aseguró sentirse “horrorizado” al ver el largometraje que consideró irreal y acusó de caricaturizar a la comunidad puertorriqueña de Nueva York. Laurents trasladó en “West Side Story” el amor imposible de Romeo y Julieta a los barrios neoyorquinos, donde las familias Capuleto y Montesco de la obra de Shakespeare son reemplazadas por dos bandas juveniles irreconciliables, los Jet, de clase obrera, y los puertorriqueños Shark. Las dos partes enfrentadas se interpondrán en la relación de los enamorados, María (Wood), hermana del líder de los Shark, y Tony, mejor amigo del cabecilla de los Jet, en una trama que transcurre entre ritmos latinos, jazz y pop.

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El reparto también se mostró disconforme con cómo se ejecutó el filme. Rita Moreno, puertorriqueña que ganaría el Óscar por su papel de Anita en la película, protestó por que la obligaran a usar un acento que no tenía y por el uso de un maquillaje para oscurecer la piel de los hispanos.

Otra de las polémicas decisiones de los productores fue doblar las partes cantadas incluso aunque los actores pudieran con el trabajo. Eso le ocurrió a Moreno y también a Natalie Wood, cuyas canciones fueron interpretadas por Marni Nixon, algo que no le gustó nada a la estrella de cine. Tras su paso por la gran pantalla “West Side Story” ganó un lugar de honor entre los musicales de teatro y en los últimos 50 años la producción se ha licenciado en más de 40.000 ocasiones tanto por compañías profesionales como aficionadas y los temas han sido traducidos a múltiples idiomas e interpretados por artistas como Barbra Streisand o José Carreras.

Con motivo del medio siglo del filme, Turner Classic Movies realizará un único pase especial el día 9 de noviembre en más de 300 salas en EEUU de la versión restaurada de “West Side Story”, la misma que Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) pondrá a la venta el 15 de noviembre por primera vez en Blu-ray junto con numerosos contenidos extra.

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El rostro de The Sundance Kid, Johnny Hooker, [...]]]> Robert Redford acaba de cumplir 75 años, bien llevados a nivel artístico y personal, y con una filmografia envidiable que muchos quisieran para si. Redford es el símbolo de toda una generación, que creció junto a él y Paul Newman, viéndoles en “Dos hombres y un destino” y en la genial “El Golpe”. Redford encarana al hombre inteligente, aventurero y omántico de un estilo cinematográfico prácticamente extinto, convertido en el último galán clásico de Hollywood, comprometido tras las cámaras y volcado de lleno con el Festival de Sundance.

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El rostro de The Sundance Kid, Johnny Hooker, Henry Brubaker y tantos otros personajes, envejece y las arrugas rompen el freno de cualquier cirugía estética. Sin embargo, el ingenio del “rubio de oro” sigue desbordando talento y para el próximo año prepara su novena película como realizador, una faceta que domina como pocos y que le ha encumbrado como realizador detallista y meticuloso.

Su próxima película será “The Company You Keep”, protagonizada por Shia LaBeouf, Susan Sarandon, Nick Nolte y él mismo, donde de nuevo apostará por ese cine de autor reflexivo y personal que tan buenos resultados le dio en obras como “El río de la vida” (1992) -donde daba el testigo a Brad Pitt como rompecorazones- o “El hombre que susurraba a los caballos” (1998).

Dos Óscar le contemplan. Uno como mejor director, por “Gente corriente” (1980). El otro, honorífico, recibido en 2002 por su labor como hombre orquesta en el mundo del cine. Esa estatuilla llevaba inscrita la siguiente frase: “Actor, director, productor, fundador de Sundance, inspiración de los realizadores independientes e innovadores de todo el mundo”. Fue candidato en tres ocasiones más: como mejor actor por “El golpe” (1973), como mejor director por “Quiz Show: El dilema” (1994) y por mejor película por esa misma obra, de la que fue también productor.

Redford siempre fue sinónimo de libertad y pasión por la naturaleza, y de ahí surgió la idea de fusionar ambos conceptos dentro de un certamen que creara oportunidades para los cineastas noveles. Así nació el Festival de Sundance, el más importante del mundo dedicado al cine independiente. En 1983 arrancó la primera edición y poco después se convirtió en la cuna de talentos de nombres como Quentin Tarantino, los hermanos Coen, Paul Thomas Anderson o Steven Soderbergh. Hoy día, quien se lleve el premio gordo de Sundance tiene muchas papeletas para pescar también en los Óscar, como han subrayado en las últimas dos ediciones los filmes “Precious”, “Winter’s Bone” y “Animal Kingdom”.

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Libertad y naturaleza son características que también formaban parte del “modus vivendi” de muchos de los personajes de Redford, como el que interpretó junto a su venerado Paul Newman en la mítica “Dos hombres y un destino” (1969), el de “Las aventuras de Jeremiah Johnson” (1972) o el de “Memorias de África” (1985). Con Newman, fallecido en 2008, formó uno de las parejas más recordadas de la historia del cine, pero sólo repitieron en una ocasión (“El golpe”), a pesar de que en 2005 se especuló con una posible reunión de ambos en una adaptación de “A Walk in the Woods”, una historia sobre el viaje de dos amigos por los parajes más recónditos de EEUU.

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Pero su gran reto fue dejar atrás su imagen de “sex-symbol” para reivindicar su talento. Misión complicada tras derretir a medio planeta y en concreto a Jane Fonda, Mia Farrow y Barbra Streisand en “Descalzos por el parque” (1967), “Tal como éramos” (1973) y “El Gran Gatsby” (1974), respectivamente, con ese físico privilegiado y esa mirada cautivadora. Lo fue consiguiendo con “thrillers” políticos de altura como “Los tres días del Cóndor” (1975) y “Todos los hombres del Presidente” (1976), aunque sin desatender su faceta de conquistador maduro en títulos como “Memorias de África” (1985) -inolvidable su romance en la pantalla con Meryl Streep a ritmo de la exquisita música de John Barry-, “Habana” (1990) o “Una proposición indecente” (1993), donde una vez mas, la música de John Barry es espectacular.  Y no podemos olvidar “Íntimo y Personal” donde realiza junto a Michelle Pfeiffer un interesante retrato del mundo de los presentadores de televisión y de los reporteros a pie de calle.

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En el último tramo de su carrera la dirección se ha revelado como su principal obsesión, siempre con propuestas íntimas y de calado emocional para él. Así llegó en el nuevo siglo “La leyenda de Bagger Vance” (2000), con Will Smith como protagonista, que fue un grave fracaso en taquilla para el estudio DreamWorks. Sin embargo Redford se repuso años después con “Leones por corderos” (2007), acompañado en el reparto por Meryl Streep y Tom Cruise, y aún está pendiente de estreno en muchos países “La conspiración”, sin él en el elenco, que apenas logró unos 11 millones de dólares (7,6 millones de euros) en EEUU. ¿Será por qué el público echa de menos ver a Redford en pantalla?

“The Company You Keep” dará la respuesta.

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Si hasta la fecha viviamos inmersos en un aluvión de remakes, [...]]]> Por su planteamiento, su idea sobre la evolución, por su punto de vista sobre el dominio social, sus efectos especiales y por las interpretaciones comedidas de Freida Pinto y James Franco (que no para), una de las sorpresas mas gratas que nos está deparando este verano en lo que a cine se refiere es la precuela del Planeta de los Simios, el impresionante filme que sorprendió a medio mundo a finales de los años sesenta de la mano de Franklin J. Shaffer y Charlton Heston.

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Si hasta la fecha viviamos inmersos en un aluvión de remakes, precuelas, reboots, homenajes y adaptaciones de cómic que empachaban al mas atrevido, en esta ocasión la idea de narrar como y porque los simios dominaron la Tierra sorprende por su falta de pretenciosidad y por ir directamente al grano, demostrando que Weta es una de las empresas de efectos especiales mas potentes del mundo, junto con la ILM de George Lucas. Los responsables de los efectos de “Avatar” y de las tres películas del Señor de los Anillos, han creado un César (el simio líder) impresionante, cargado de sentimientos y expresiones que le hace mas humano que los propios humanos. Andy Serkis, el actor que dio vida a Gollum y que ahora interpretará al capitán Haddock en la adaptación de Tintin que Weta ha preparado junto con Steven Spielberg y Peter Jackson, realiza un trabajo magistral, dando vida a un simio digital que no parece digital. Hay escenas cargadas de un lirismo épico y otras verdaderamente sobrecogedoras.

La película dignifica al género de la ciencia ficción y queda muy por encima de las olvidables continuaciones (serie de televisión incluida) que surgieron a partir de la película del 68 y con las que, sin embargo, esta nueva entrega se muestra extremadamente respetuoso. Tanto es así que el chimpancé protagonista, una especie de Espartaco simiesco, atiende por César, el mismo nombre del mono protagonista de irregular, “La Conquista del Planeta de los Simios”, mientras que uno de sus compañeros de lucha, un orangután procedente del mundo del circo, ha sido bautizado como Maurice, seguramente en honor a Maurice Evans, el actor que encarnara a otro orangután célebre en el film original: el mítico Dr. Zaius.

Pero no sólo se conforma con los nombres de los animales ya que, a lo largo de su metraje, descubrirán un montón de guiños a la cinta de 1968. Algunos de ellos son muy evidentes, mientras que otros quedan más velados debido a la sutileza con que han sido insertados por el director y los guionsitas. El mensaje del filme es impactante y muy, muy actual, aunque nos pese, y las situaciones por las que atraviesan los protagonistas, deberian hacernos reflexionar a la hora de preguntarnos como queremos que sea el mundo que nuestros hijos y nietos van a ver en un futuro no muy lejano.

Una imagen vale mas de mil palabras. Juzguen ustedes mismos, empezamos [...]]]> Iniciamos una serie de comparativas a nivel de imagen, protocolo, saber y estar en público y ejemplos de expresión oral con la intención de mostrar hábitos personales, actitudes y formas de recibir premios de artistas y profesionales de ayer y de hoy. Pasado y presente para descubrir si antaño la educación y el saber estar estaban por encima de la fama y la mediatización o por el contrario, si ahora se opta por una frescura y una simpatía mucho mas cercana y antaño se buscaba ser mas parco y diplomático.

Una imagen vale mas de mil palabras. Juzguen ustedes mismos, empezamos con Audrey Hepburn recibiendo su Oscar por “Vacaciones en Roma” en 1954. No se pierdan las introducciones de Donald O´connor y Gary Cooper.

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Y lo contrastamos con Julia Roberts, cuando ganó el Oscar por “Erin Brockovich”

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